tema 3. 2°A Pintura Teotihuacana

Brenda García Sánchez

«Pintura

Esta hecha de cal y fina arena de cuarzo que sirve de base, cuyo brillo hace que resalte los colores; se aplicaban al fresco y al fresco seco después de ser mezcladas probablemente con savia de maguey que es una sustancia pegajosa.

El color rojo fue el preferido y el más usado en  toda la ciudad.

La pintura era simbólica, mencionan que fue el antecedente de la escritura.

Entre las pinturas más importantes de Teotihuacán están:

Mural del puma, que se localiza en la calle de los muertos, los murales del Palacio de Quetzalpapalotl, el del palacio de los Jaguares y de los del barrio de Tetitla.

En el palacio de Tepantitla, atrás del mural del Tla­locan, tenemos un interesante ritual en el que se ve a un sacerdote pro­fu­sa­mente ataviado que porta una pequeña bolsa de la cual saca semillas que arroja a la tierra. Se trata de un ritual al mo­mento de iniciar la siembra. También hay murales en que se presenta a Tláloc arrojando las semillas y en otro recolectando la cosecha de maíz.

 Según la mitología Azteca, EL Tlalocan es el lugar donde Tlaloc, el dios de la lluvia, vive con otros dioses menores llamados “Tlalocas” y sus ayudantes elegidos por él.

El Tlalocan fue considerado como un paraíso terrenal en donde todo abundaba y a donde los que morían por causa del agua como ahogado, por un trueno, etc, o enfermedades relacionadas con ella es a donde iban después de la muerte; los elegidos por Tlaloc.

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Tema 15 2A Pintura y Escultura del XVII

Tema 15 Pintura y Escultura del XVII
Pintura del siglo XVII

La pintura mural tuvo un importante florecimiento durante el siglo XVI; lo mismo en construcciones religiosas como en casas de linaje; tal es el caso de los conventos de Acolman, Huejotzingo, Tecamachalco y Zinacantepec. Se dice que fueron principalmente pintores indígenas dirigidos por frailes los que las realizaron.
CARACTERISTICAS: Realismo patético cargado de expresividad y la intensa preocupación por el detalle, Talla en madera policromada. las figuras generalmente se pintan e incluso a veces llegan a emplearse ojos de cristal, vestimentas auténticas y pelo natural. Esculturas básicamente religiosas encausadas en la contrarreforma destinadas muchas de estas a los pasos procesionales; y propiciar el fervor religioso.
Combinó formas decorativas indígenas con europeas, en especial de la escuela flamenca, ricamente decoradas en oro  ANTECEDENTESA finales del siglo XVII y principios del XVIII, la escuela sevillana de Bartolomé Esteban Murillo y Juan de Valdés  ejerció una gran influencia en algunos pintores del Nuevo Mundo como el mexicano Juan Rodríguez Juárez y el colombiano Gregorio Vázquez de Arce.
Las obras eclesiásticas fueron las más importantes del siglo XVII. Entre los pintores relevantes podemos citar a Baltasar de Echave Ibía y a su hijo Baltasar Echave Rioja, también a Luis Juárez y a su hijo José Juárez, a Juan Correa, Cristóbal de Villalpando, Rodrigo de la Piedra, Antonio de Santander, Bernardino Polo, Juan de Villalobos, Juan Salguero y Juan de Herrera. Juan Correa, trabajó intensamente de 1671 a 1716 y alcanzó gran prestigio y fama por la calidad de su dibujo y la dimensión de algunas de sus obras.
A partir del siglo XVII, y en particular durante el siglo XVIII, el retrato pasó a ser parte importante del repertorio artístico. En una sociedad caracterizada por el profundo sentimiento religioso del que estaba imbuida, se esperaba que muchos retratos reflejasen las virtudes morales y la piedad del modelo.
 
Escultura  del siglo XVII
La escultura del Renacimiento se entiende como un proceso de recuperación de la escultura de la Antigüedad clásica. Los escultores encontraron en los restos artísticos y en los descubrimientos de yacimientos de esa época pasada la inspiración perfecta para sus obras. También se inspiraron en la Naturaleza. En este contexto hay que tener en cuenta la excepción de los artistas flamencos en el norte de Europa, los cuales además de superar el estilo figurativo del gótico promovieron un Renacimiento ajeno al italiano, sobre todo en el apartado de la pintura.
Escultura barroca latinoamericana Presente en los interiores y exteriores de las numerosas iglesias barrocas que, con un estilo extremadamente recargado, se construyeron a lo largo de las colonias españolas.  En México destaca el español Jerónimo Balbás
La escultura del Renacimiento se sirvió de toda clase de materiales, principalmente del mármol, bronce, madera y terracota.
Ejemplos:
Pintura: Retablo de la Capilla de Cantuña con la imagén de San Lucas, patrón de los pintores, cuyos útiles de trabajo ostenta en las manos, que fue labrada por el padre Carlos en 1668 y restaurada por Bernardo de Legarda
Escultura: La Piedad de Miguel Ángel Buonarroti
        El David de Miguel Ángel.
 

Cuestionario
1.- ¿Que tipo de corriente es la principal que se usa en estos siglos?
R= Barroco
2.- ¿Qué caracterizaba a este tipo de movimiento?
R= El intenso detalle que se le ponía
3.- ¿Una de las obras de la escultura puede ser?
R= El David
4.- La escultura trabajaba principalmente en materiales como?
R= Madera, mármol, bronce y terracota
5.- ¿Hacia que estaban enfocadas todas las piezas?
R= Hacia lo religioso
6.- Uno de los representantes de esta corriente fue:
R= Jerónimo Balbás
7.- ¿En sus principios quienes fueron los que realizaron las pinturas?
R= Los indígenas dirigidos por los franciscanos
8.- Otro de los temas en el cual se inspiraron fue el la:
R= En la naturaleza
9.- Este movimiento se sitúa en el llamado:
R= Renacimiento
10.- ¿Cuáles fueron las obras mas importantes durante el siglo XVII?
R= Las eclesiásticas

tema 3. 2°A. Pintura Teotihuacana

«Pintura

Esta hecha de cal y fina arena de cuarzo que sirve de base, cuyo brillo hace que resalte los colores; se aplicaban al fresco y al fresco seco después de ser mezcladas probablemente con savia de maguey que es una sustancia pegajosa.

El color rojo fue el preferido y el más usado en  toda la ciudad.

La pintura era simbólica, mencionan que fue el antecedente de la escritura.

Entre las pinturas más importantes de Teotihuacán están:

Mural del puma, que se localiza en la calle de los muertos, los murales del Palacio de Quetzalpapalotl, el del palacio de los Jaguares y de los del barrio de Tetitla.

En el palacio de Tepantitla, atrás del mural del Tla­locan, tenemos un interesante ritual en el que se ve a un sacerdote pro­fu­sa­mente ataviado que porta una pequeña bolsa de la cual saca semillas que arroja a la tierra. Se trata de un ritual al mo­mento de iniciar la siembra. También hay murales en que se presenta a Tláloc arrojando las semillas y en otro recolectando la cosecha de maíz.

 Según la mitología Azteca, EL Tlalocan es el lugar donde Tlaloc, el dios de la lluvia, vive con otros dioses menores llamados “Tlalocas” y sus ayudantes elegidos por él.

El Tlalocan fue considerado como un paraíso terrenal en donde todo abundaba y a donde los que morían por causa del agua como ahogado, por un trueno, etc, o enfermedades relacionadas con ella es a donde iban después de la muerte; los elegidos por Tlaloc.

Cuestionario 

¿De qué materiales están compuestas las pinturas teotihuacanas? De cal y fina arena de cuarzo

¿Para qué eran utilizados estos materiales? Servían de base y para darles brillo

¿Cómo se aplicaban las pinturas? Al fresco y fresco seco

¿Qué color fue el preferido por los teotihuacanos? El rojo

¿Cuáles son algunos de los murales más importantes? Mural del puma

los murales del Palacio de Quetzalpapalotl, el del palacio de los Jaguares y de los del barrio de Tetitla.

¿En dónde se encuentra ubicado el mural del Tlalocan? En el palacio de Tepantitla

¿Qué es lo que contiene el sacerdote en el mural antes mencionado y que hace con ello? porta una pequeña bolsa de la cual saca semillas que arroja a la tierra

¿Quién es Tlaloc? El dios de la lluvia

¿Qué es el tlalocan para la mitología azteca? es el lugar donde Tlaloc, el dios de la lluvia, vive con otros dioses menores llamados “Tlalocas” y sus ayudantes elegidos por él

¿Quiénes iban al tlalocan? los que morían por causa del agua como ahogado, por un trueno, etc, o enfermedades relacionadas con ella

Tema 14 2°A ARQUITECTURA DEL SIGLO XVII. CAPILLA DEL ROSARIO

TEMA 14

2°A

[ ʍ ][ i ][ И ][ σ ][ O ]

ARQUITECTURA DEL SIGLO XVII

ž  A mediados del siglo XVII se empezaron a manifestar cambios en la arquitectura de México. Había una tensión entre los arquitectos más conservadores y los que querían innovar introduciendo elementos barrocos que provenían de Europa y estaban introduciéndose en el campo de la poesía con Sor Juan Inés de la Cruz.

ž  En estas obras se produce la fusión entre el estilo barroco español y lo indígena. La arquitectura para Pedro Henríquez Ureña es muy importante porque en las artes es donde se puede observar el nacionalismo y la peculiaridad autóctona.

ž  El estilo colonial produjo una fabulosa cantidad de monumentos; el aporte indígena cobro jerarquía propia y gradualmente los indios se adentraron en las creaciones arquitectónicas, primero como ayudantes de sus maestros y luego crearon ellos mismos obras arquitectónicas resolviendo los problemas de forma y color. Las ciudades mexicanas se poblaron con las muestras extraordinarias de este movimiento como catedrales, templos, palacios, capillas, ayuntamientos y casonas.

ž  Lo Barroco se encuentra en la decoración de la catedral de México, con retablos de gran belleza; en la iglesia de la Santísima Trinidad, que fue construida por Lorenzo Rodríguez entre 1755 y 1786.

ž  En un principio el barroco en la arquitectura tuvo en México condiciones de la más moderna vanguardia, por eso no se adoptó inmediatamente en las obras que ya habían empezado a construirse como en el caso de las catedrales: las de México, Puebla, Oaxaca, Pátzcuaro y San Cristóbal de las Casas y Guadalajara, fueron un ejemplo de esto aunque, por supuesto, cuando estuvieron terminadas se le agregaron detalles del estilo que estaba en boga.

ž  Es así como en este siglo se inicia la producción importante de la arquitectura barroca. Durante este período, hasta cuyo inicio la arquitectura se expresara de una manera más bien sobria, con tendencias clasicistas arraigadas en el barroco español, el nuevo estilo adquiere madurez; llegando finalmente, en el siglo XVIII, hasta su máxima expresión en las formas del churrigueresco. El arte barroco en la arquitectura, la escultura, el labrado de maderas y la orfebrería nunca pretendió ser entendido por la razón ni por la inteligencia, sino por los sentidos; buscando fuertes efectos emocionales en el espectador.

ž  En el barroco mexicano surge la voluntaria alteración en las proporciones de los elementos arquitectónicos; la multiplicación y realce de las formas en los arcos, la incorporación en los frontones de abundantes, irregulares y realzadas molduras. La columna se convierte en pilastra exuberantemente ornamentada; se decoran todos los entrepaños; las líneas se rompen hasta el infinito, y la talla y la escultura se convierten en elementos decorativos definitorios de la fábrica de los edificios.

ž  Típicas del barroco son las grandes volutas o aletas que sirven para ligar y unir armoniosamente dos puntos situados a diferente altura. Se colocan en las fachadas de las iglesias y también resuelve la relación entre la base amplia de una construcción y la de la cúpula más estrecha dando al edificio un perfil unitario y contrarrestando el empuje de la cúpula.

ž  La decoración es exuberante, tanto en el interior como en el exterior de las construcciones. Los motivos son naturalistas. También se hace policroma combinando mármoles de distintos colores.

ž  El espacio interior adquiere un carácter unitario en el que se combinan armoniosamente la arquitectura, la escultura y la pintura. En las iglesias ricos retablos adornan todas las capillas.

ž  En el exterior el edificio se hace fachada y se concibe con el fin de incrementar la belleza de la calle o de la plaza. La decoración de estas fachadas se distribuye siguiendo un ritmo que se acentúa y concentra en el centro, así como los elementos salientes respecto al muro (pilares, columnas, frontones etc.) que también son reagrupados en el centro que domina sobre los lados.

CAPILLA DEL ROSARIO

ž  El Templo de Santo Domingo en Puebla se empezó a construir en 1550 y su Capilla del Rosario se empezaría a construir hasta 1650, 100 años después, y tardaron 40 años en terminarla.

ž  El 16 de Abril de 1690 se inauguró la maravillosa Capilla del Rosario, dando paso a 9 días de festejos.

ž  La idea original fue de Fray Juan de Cuenca, siguiendo Fray Agustín Hdez., Fray Boecio de Zeballos y concluida finalmente por Fray Diego de Gorozpe.

ž  Esta capilla, de 1690, en su tiempo fue considerada como la “octava maravilla del mundo”; algunos otros la llaman también Domus Aurea o Casa de Oro. Es una Capilla llena de simbolismos, en donde cada elemento representa algo; muestra perfecta del estilo barroco mexicano más puro, fue la primera capilla dedicada a la Virgen del Rosario que se construyó en México, como signo de la gran devoción al Rosario que los Dominicos profesaban, y también para enseñar a los fieles a rezarlo, promoviendo el arte visual para educar al pueblo cristiano.

ž  Su interior, en el crucero izquierdo de la nave del templo, presenta planta de cruz latina, aunque con los brazos muy cortos. En la bóveda se pueden ver representadas las tres virtudes teologales, enmarcadas por tupidos follajes; y en la cúpula se encuentra la Gracia, acompañada por los dones del Espíritu Santo y por un grupo de 16 santas dominicas.

ž  Podríamos distribuir en tres grandes grupos temáticos el interior de la capilla: en los muros se representan los misterios del Rosario y los personajes relacionados con la Virgen y con Cristo, seis grandes lienzos de la mano del pintor José Rodríguez Carnero. En los techos son los temas teológicos los que tienen su asiento, tales como la Trinidad, las virtudes, los dones del espíritu Santo.

ž  En el ciprés o tabernáculo, donde está la venerada Virgen del Rosario, se hace un programa propagandístico y apologético, tanto de la devoción a esta práctica, como de la orden de Santo Domingo. En la parte baja los muros llevan un bello lambrín de azulejos del tipo talavera.

ž  Al final de la planta encuentra el altar a la dirige el rosario, y sobre ella una cúpula en media naranja sobre un tambor, en este lugar se encuentra 16 ventanas, intercaladas con las figuras de dieciséis mujeres santas, son como una corona y una síntesis todas las virtudes y de todas las gracias y forman un cortejo que exaltan las glorias de María.

ž  En las pechinas de los arcos orales que sostienen la cúpula cuatro ángeles que con letras de oro tienen inscrito: Dios te salve hija del padre, Dios te salve madre del hijo, Dios te salve esposa del espíritu Santo, Dios te salve templo de la Santísima Trinidad.

ž  Al final, en la bóveda se encierra el aceite, y aparece un relieve labrado en oro con en anagrama HIS (Iesus Hominum Salvatore) .La segunda persona de la Trinidad, Dios hecho hombre, Sierra la cadena de símbolos y dogmas expresados en el techo. La Virgen del Rosario es la protectora de los navegantes y benefactora de la Ciudad de Puebla.

ž  La Capilla está decorada con yesería sobredorada, trabajo exquisito y minucioso en el que se observa la gran habilidad de los artesanos poblanos. Toda la ornamentación se hizo a base de harina con clara de huevo y agua, recubierta con láminas de oro de 24 quilates

ž  El estuco dorado es el ingrediente que eligió el retablista para prestar magnificencia al lugar. Por lo demás, la planta respeta la delineación en cruz latina. Hacia lo alto, bóveda y cúpula sobre tambor proyectan la espiritualidad que resuman tantos motivos ornamentales como aquí se concentran, sean estos de orden vegetal, animal, o ya en otro plano, angelical. Y entre tanta floresta y querubín triunfante, sobresalen figuras y figuraciones que debemos a fray Agustín Hernández.

TEMA 13 2°C CONVENTO DE HUEJOTZINGO Y CATEDRAL DEL ESTADO DE PUEBLA

TEMA 13 CONVENTO DE HUEJOTZINGO Y CATEDRAL DEL ESTADO DE PUEBLA  (2°”C”)

ALUMNOS: Daniel Alejandro Ramirez Tlatelpa  y  Rodriguez Noyola Jose Roberto

Convento de Huejotzingo

El convento de San Miguel, fue de los primeros que se construyeron después de la Conquista Española, su construcción data de 1526. Lo curioso del lugar, es sus características acústicas, similares a las que existen en la pirámide de Cholula (de hecho su forma tiene ese propósito), que permiten oír perfectamente lo que se dice desde el púlpito sin necesidad de micrófono alguno.

El convento de San Miguel, tiene una arquitectura de tipo colonial con subtipo plateresco, la etimología es uno de los cuatro primeros establecimientos franciscanos que se dedicaron en la Nueva España. En este templo se venera a San Miguel, patrono de Huejotzingo

El campanario contiene vanos arcados, pilastras y cupulino con linternilla. El interior tiene planta de cruz latina, cuya cubierta alterna la bóveda de lunetos, la de pañuelo y cúpula sobre pechinas. •Tiene una arquitectura de tipo colonial. Su construcción se realizó en 1598 y 1600. Según se dice, la obra se favoreció en este lugar gracias a un pozo, que en la actualidad se encuentra en el interior.

Al interior del templo se encuentran todavía algunos rastros de pinturas murales, aunque es una desgracia porque la mayor parte de ellas se han pérdido, sobre todo después de la guerra cristera.
La entrada al convento se encuentra a un costado de la fachada principal, el convento en su interior, se encuentra casi integro, vale la pena visitarlo para conocer las celdas de los monjes, el comedor y la cocina.

Caterdal del Estado de Puebla

Se comenzó a construir por mandato de fray Julián Garcés, obispo de Tlaxcala, entre 1536 y 1539. Posteriormente las autoridades virreinales ordenaron la construcción de un templo más grande y vistoso, proyecto que fue encomendado en 1575 al arquitecto Francisco Becerra.

Sin embargo, la falta de dinero y los cambios administrativos hicieron que las obras se detuvieran en 1626.

En 1634 el maestro mayor de la Catedral Metropolitana de la Ciudad de México, Juan Gómez de Trasmonte, hizo una adecuación del proyecto, dándole un aspecto más clásico y una planta basilical. En 1640 una cédula real encomendó al obispo Juan de Palafox y Mendoza terminar la construcción, lo que se logró realizar ocho años y ocho meses después, y el templo fue consagrado el 18 de abril de 1649, siendo dedicado a la Inmaculada Concepción. En fechas posteriores se concluyeron portadas y fachadas, como la principal, llamada la puerta del Perdón, acabada en 1664, o la lateral de San Cristóbal, que mira hacia el norte, terminada en 1690.

La fachada principal fue realizada en cantera gris procedente del Cerro de Guadalupe; en su decoración sobresalen detalles en piedra de villerías, que es una especie de cantera. En las portadas se aprecian esculturas con las imágenes de san Pedro y san Pablo, san José, Santiago el Mayor, santa Rosa de Lima, san Miguel arcángel, santa Teresa de Ávila y san Gabriel arcángel.
El interior es de gran belleza por los objetos artísticos que conserva en sus 14 capillas laterales y en el altar mayor, también llamado Altar de los Reyes, en donde destacan esculturas y pinturas con temas religiosos, estas últimas realizadas por Pedro García Ferrer en el siglo XVII.

El altar mayor fue diseñado por Manuel Tolsá y construido entre 1797 y 1818; debajo de él se encuentran los restos de obispos poblanos; también son de interés las 14 pinturas en forma de medallón con escenas del Vía crucis, atribuidas a Miguel Cabrera, repartidas alrededor de la nave, el coro y los órganos.

Preguntas:

¿Por mandato de quien se empezo a construir la catedral?

-Fray Julian Garces

¿Donde donde era Obispo Fray Julian Garces?

-De Tlaxcala

¿Entre que año y que año se empezo a construir la catedral?

-1536 y 1539

¿Quienes ordenaron un templo mucho mas grande y vigoroso?

-Las autoridades virreinales

¿A falta de dinero y cambios administrativos en que año detuvieron la obra?

-En 1626

¿Fue uno de los Primero construidos despues de la conquista Española?

-El convento de San Miguel en Huejotzingo

¿Una de las caracteristicas mas reelevantes del convento de huejotzingo?

-Caracteristicas acusticas, gran sonido sin necesidad de algun microfono

¿De que tipo es la aqruitectura del convento de Huejotzingo?

-Es de tipo Colonial

¿A quien se venera el convento de Huejotzingo?

-A San miguel patrono de Huejotzingo

¿Cuentas veces fue construida la construccion?

-tres veces dos veces fue derrumbada y recostruida con las mismas piedras

Tema 6 2°”A” Pintura Maya

 Nayeli Dennis Cruz García 2 “A”

PINTURA MAYA

Pintura Mural

El arte maya clásico es apreciado por su excelente manufactura. Los tallados y relieves en estuco de Palenque y el estatuario de Copán son especialmente finos, muestran una gracia y observación precisa de la forma humana que recordó a los primeros arqueólogos las formas de la civilización clásica del Viejo Mundo. Las Estelas más grandes y finas se encuentran en Quiriguá. La mayor parte de las piezas que han sobrevivido son órdenes de alfarería funeraria y de cerámica de uso cotidiano y ritual. Los Murales más antiguos y mejor conservados son los de San Bartolo, en Petén. El Bonampak fueron descubiertos murales antiguos que sobrevivieron por un afortunado accidente que los conservó hasta el día de hoy (aunque poco a poco se deterioran por el turismo en la región). En la actualidad sobrevive una obra de teatro, el Rabinal Achí.

 PINTURA

¨Dentro de esta gran área próspero un arte pictórico deslumbrante. Como en el resto del territorio mesoamericano, casi todas las edificaciones de importancias social se recubrían con pintura, en especial los interiores, ya sea muros o en las llamadas bóvedas, los mayas llegaron a pintar escenas completas que, por su tamaño, parecen miniaturas.

¨El arte pictórico maya se caracteriza con representaciones que se refieren al mundo natural, con gran colorido donde la transparencia, la opacidad y textura se presentan en diferentes capas de pintura, la técnica utiliza como soporte un elucido de cal delgado donde los  murales mayas muestran una mezcla de dos o más gomas vegetales disueltas en el medio alcalino que manifiesta el agua de cal, que en sus reacciones químicas proporciona una mezcla con viscosidad estable para el trabajo del pintor.

¨Lo que define el arte maya es su obsesión por mostrar la figura humana en el papel protagónico, dejando para un segundo plano los motivos zoomorfos y vegetales con que se complementan las pinturas. Esto es en términos generales, ya que las representaciones de deidades constituyen la gran excepción. ¨Así en los murales con temática narrativo- histórica aparecen seres humanos, en particular miembros de las diferentes dinastías y grandeza: batallas, sacrificios de prisioneros, entronización de un gobernante, etc.

¨Los mayas produjeron retratos en los cuales el personaje, perfectamente individualizado, se distingue con facilidad de los demás, gracias al cuidado con que se reproducían características como color particular de piel, proporciones anatómicas, posiciones corporales, gestos y actitudes, etcétera. Asimismo buscaba reproducir con la mayor fidelidad  posible las formas de la naturaleza, ya sea del mundo animal o vegetal.

¨La técnica para obtener colorantes es tan compleja que aun en nuestros días no existe certeza sobre el origen de las múltiples tonalidades cromáticas que utilizaban. Sabemos que por la escasez de minerales en la región, los mayas recurrieron a mezclar, sobre todo vegetales y arcillas. Un caso concreto es el famoso “azul maya”, mezcla de vegetales no del todo identificados, con arcilla blanca, se producía mediante el calentamiento de incienso, arcilla y hojas de índigo en cuencos durante los sacrificios humanos ceremoniales al dios de la lluvia en Chichén Itzá.Azul Maya

¨En 1996 se descubrió que se trata de una mezcla a 150º C de un tipo de arcilla denominado paligorskita con una pequeña cantidad de hojas del arbusto del índigo, pero no cómo se conseguía. El azul era para los mayas el color del sacrificio. De ese color pintaban los cuerpos de las víctimas antes de tumbarlas de espaldas en el altar del Templo de los Guerreros de Chichén Itzá y sacar el corazón todavía latente de sus cuerpos antes de lanzarlos al Cenote Sagrado. El fondo del de Chichén Itzá tiene una capa de arcilla azul de más de 4 metros de espesor, debida al colorante desprendido por el agua de los objetos y cuerpos a él tirados. A mediados del siglo XVI, el obispo español Diego de Landa dejó escrito que los mayas ofrecían al dios de la lluvia Chaak sacrificios humanos y todo tipo de valiosos presentes en el Cenote Sagrado, siempre pintadas las víctimas y los objetos de azul.

¨Ahora bien, a pesar de que se puede hablar de la  existencia de una pintura mural, debemos consignar que también se desarrollaron variantes regionales que obedecían a situaciones y necesidades concretas de cada comunidad. ¨Es indispensable destacar que fueron dos ciudades las que contribuyeron la formación de llamado “estilo maya”: Tikal y Uaxactún. ¨Los murales de Uaxactún eran reconocidos entre otras cosas, por ser de los más antiguos de la zona y por su narrativa escénica, que incluía la representación de más de veinte personajes, lo que los convertía en los más grandes localizados hasta ese momento; constituían, pues, los mejores ejemplares del arte mural maya del periodo clásico.

Uaxactun

¨  Dadas las condiciones climáticas de la zona, que dificultan la preservación de los murales, se tenían pocas esperanzas de localizar otras pinturas que demostraran la calidad alcanzada por los mayas en esa modalidad artística. Este panorama cambió drásticamente en 1946, fecha en que se dio a conocer el descubrimiento de otras pinturas.

¨  La noticia causó gran conmoción por que estaban completos y en buen estado. El lugar recibió el nombre de Bonampak,  que se encuentra en el corazón de la selva en Chiapas.  Bonampak fue el nombre propuesto por Silvanos Morley, significa “muros teñidos”. La ubicación estaba relacionada con el grado de privacidad y esoterismo. Bonampak es una ciudad que surge en el periodo clásico tardío y alcanzo su apogeo entre 600 y 800 d.C.

¨Los magníficos murales que ocupan un área aproximada de 150 m2, repartidos en tres habitaciones pintadas de piso a techo a lo largo de sus cuatro paredes, incluidas sus respectivas bóvedas.  ¨Las pinturas son narrativas, nos cuentan una historia del poder en Mesoamérica. Mediante carias escenas, en las que participan grupos heterogéneos de personajes, se ofrece un invaluable testimonio sobre las diversas actividades llevadas a cabo por la elite de Bonampak, que van desde enfrentamientos militares hasta rituales religiosos y ceremonias políticas.

¨De este modo, los murales, distribuidos en tres habitaciones o cuartos, forman una unidad. ¨En el Cuarto 1, que presenta la fecha de la probable elaboración de las pinturas, año 790, llaman la atención las figuras de músicos y personajes disfrazados de monstruosos y fantásticos seres. En otra interesante escena aparece un niño, quizá el heredero al poder en Bonampak, quien es presentad  o ante un grupo de nobles.

Del cuarto 2 sobresalen dos escenas; en una se representa una batalla en la  que fuertes  y vigorosos guerreros capturan enemigos para después sacrificarlos, en ofrenda a  dioses. En la segunda aparece el poderoso señor de Bonampak,  Chaan-Muan II, portando un espectacular tocado de jaguar; él y otros triunfantes combatientes presentan a los prisioneros.

¨En la última habitación destaca una escena protagonizada por mujeres que debieron pertenecer a la nobleza, dados sus atavíos. Ellas fueron retratadas en el acto ritual del auto sacrificio, que en este caso consiste en traspasar sus lenguas con una cuerda sostenida entre todas.

Bonampak

ESCULTURA

Las obras escultóricas presentan formas geométricas diversas y pueden apreciarse infinidad de figuras estilizadas. Mismas que modelan y tallan en materiales tales como
Piedra caliza, estuco, jade, jadeíta, basalto, oro, cristal de roca, baquelita y otros.

Persiste en la escultura maya, una avanzada y perspicaz abstracción simbólica, como bien lo expresa Hauser (1982), que… persigue fijar la idea, el concepto, la sustancia de las cosas. A través de símbolos ideográficos, esquemáticos y convencionales…

El maya permanece fiel al modelo constituido a partir de este proceso cultural transmitido generacionalmente. La permanencia de este arraigado pensamiento abstracto y estilizado, se extiende a través del perfeccionamiento de figuras antropomorfas, fitomorfas, jeroglíficas, zoomorfas, o bien como extraordinarias combinaciones de elementos geométricos aplicados en estuco, textiles, y cerámica.

Los mayas fueron notables escultores. Con materiales como la piedra y el estuco, este arte tomó tres formas: la primera, los trabajos de relieve, bajorrelieve, e incluso tridimensionales, que formaron parte de la ornamentación arquitectónica. Un ejemplo son los mascarones de muchos de los edificios mayas construidos desde el Preclásico Tardío hasta la Colonia, durante el siglo XVI; en su mayor parte, estas obras representan deidades astrales relacionadas con la salida y la puesta de sol, o imágenes idealizadas de los gobernantes y sus linajes.

En este mismo grupo pueden incluirse las esculturas de estuco o piedra adosadas a fachadas y pilares o empleadas como columnas, así como los complejos diseños de los dinteles esculpidos en madera propios del periodo Clásico, los cuales honran también a los mandatarios mayas.

Aparte se consideran las estelas, los altares y las lápidas. Comúnmente, estas obras fueron labradas en monolitos individuales asociados a diversas edificaciones y constituyeron, en su momento, auténticos documentos en piedra, los cuales narraban la historia de los personajes representados en ellos. Así, la escultura de los mayas estuvo, como se ve, íntimamente ligada a la escritura.

Finalmente, la escultura de bulto, sin relación directa con la arquitectura, fue realizada sobre todo en estuco y cerámica. Destacan, en este grupo, los grandes incensarios y urnas y, por su alta calidad artística, las figurillas funerarias de Jaina, que representaban a hombres de diferente posición social.

Es evidente que la figura humana fue, con mucho, el tema central de la escultura maya. No obstante, abundaban también las representaciones de deidades antropo-morfizadas, así como las de animales, plantas y seres sobrenaturales altamente significativos para la civilización maya, como las serpientes emplumadas, los monstruos terrestres y las aves fantásticas.

Cuestionario

1.- ¿Cuáles son las características del arte pictórico maya?

–Representaciones que se refieren al mundo natural, con gran colorido donde la transparencia, la opacidad y textura se presentan en diferentes capas de pintura–

2.- ¿Cuáles eran las técnicas que usaban para pintar los murales?

–Utiliza como soporte un elucido de cal delgado con una mezcla de dos o más gomas vegetales disueltas en el medio alcalino que manifiesta el agua de cal–

3.- ¿Qué es lo que define a la pintura maya?

–Su obsesión por presentar al hombre en un papel protagónico–

4.- ¿En que ponían más atención y cuidado al pintar?

–Detalles como color de piel, cabello, gestos, actitudes, etc., para poder representar individualmente a cada personaje–

5.- ¿Cuáles fueron las ciudades que contribuyeron a la formación del “estilo maya”?

– Tikal y Uaxactún.–

6.- ¿Cuáles fueron los murales que se descubrieron en buen estado en 1946?

–Los murales de Bonampak–

7.- ¿En donde fueron encontrados?

–En Bonampak, un lugar en la selva de Chiapas–

8.- ¿Por qué recibieron ese nombre?

–Por que significa “muros teñidos”—

9.- ¿De que manera están repartidos los murales?

–En tres habitaciones pintadas completamente de piso a techo–

10.- ¿Cuáles eran los materiales que usaban para las esculturas?

– Piedra caliza, estuco, jade, jadeíta, basalto, oro, cristal de roca, baquelita y otros–

11-¿Cuál era el tema central de pintura y escultura para los mayas?

–La figura humana–

Tema 10 2C Pintura y ESCULTURA BARROCA

NOMBRE: GONZALEZ SAMPAYO JESUS

GRADO:2°”C”

Pintura del Barroco

La pintura barroca es la pintura relacionada con el movimiento cultural barroco. El movimiento a menudo se le identifica con el absolutismo, la Contrarreforma y el renacimiento católico,[1] [2] pero la existencia de importante arte y arquitectura barrocos en países no absolutistas y protestantes por toda Europa Occidental evidencian su amplia popularidad.[3] La pintura adquirió un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas, y llegó a ser la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.
La mejor y más importante pintura durante el período que comienza alrededor del año 1600 y continúa a lo largo de todo el siglo XVII, y a principios del siglo XVIII se identifica hoy como pintura barroca. El arte barroco se caracteriza por el gran drama, los colores ricos e intensos, y fuertes luces y sombras. En oposición al arte renacentista, que normalmente mostraba el momento anterior a ocurrir cualquier acontecimiento, los artistas barrocos elegían el punto más dramático, el momento en que la acción estaba ocurriendo: Miguel Ángel, que trabajó durante el Alto Renacimiento, muestra a su David compuesto y quieto antes de luchar contra Goliat; el David barroco de Bernini es captado en el acto de lanzar la piedra contra el gigante. El arte barroco pretendía evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila racionalidad que había sido apreciada durante el Renacimiento.

Entre los más grandes pintores del período barroco se encuentran Caravaggio,[4] Rembrandt,[5] Rubens,[6] Velázquez, Poussin,[7] y Vermeer.[8] Caravaggio es heredero de la pintura humanista del Alto Renacimiento. Su enfoque realista de la figura humana, pintada directamente del natural e iluminada dramáticamente contra un fondo oscuro, sorprendió a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. La pintura barroca a menudo dramatiza las escenas usando los efectos lumínicos del claroscuro; esto puede verse en obras de Rembrandt, Vermeer, Le Nain y La Tour. El pintor flamenco Antón Van Dyck desarrolló un estilo de retrato cortesano, con gracia, que influyó mucho, especialmente en Inglaterra.

La prosperidad de la Holanda del siglo XVII llevó a una enorma producción artística por gran número de pintores altamente especializados, que sólo pintaban el género al que se dedicaban: escenas de género, paisajes, bodegones, retratos o pintura de historia. Los estándares técnicos eran muy altos, y la Edad de Oro holandesa estableció un nuevo repertorio de temas que fueron muy influyentes hasta la llegada del Modernismo.

Características generales

Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, Vanitas, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de temas religiosos. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.

El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la forma pictórica. El color predomina sobre la línea. Incluso, los efectos de profundidad, perspectiva y volumen se consiguen más con los contrastes de luz y de tonalidades del color que con las líneas nítidas y definidas del dibujo. La luz se convierte en un elemento fundamental en la pintura barroca. La luz dibuja o difumina los contornos, define también el ambiente, la atmósfera del cuadro, y matiza los colores. La utilización de la técnica del claroscuro llega a la perfección gracias a muchos pintores del Barroco.

Se pretende transmitir sensación de movimiento. Las composiciones se complican, se adoptan perspectivas insólitas y los volúmenes se distribuyen de manera asimétrica. Mientras que la dinámica del espacio, la visión de las escenas en profundidad, la estructuración de las composiciones mediante diagonales y la distribución de manchas de luz y de color, configuran el espacio como algo dinámico, donde contornos se diluyen y las figuras pierden relevancia frente a la unidad de la escena.

Se produce en esta época un dominio absoluto de la técnica pictórica, tanto en la pintura al óleo sobre lienzo como en la pintura al fresco. Ello permite alcanzar un gran realismo en la representación pictórica. Se logra la imitación de la realidad teorizada por los renacentistas pero sin la idealización y concepción propias del siglo anterior.

El dominio de la técnica, que logra representar con gran fidelidad la realidad, hace que se intente en ocasiones engañar al espectador por medio de trampantojos. El pintor barroco gusta de perspectivas ilusionistas, especialmente en las Bóveda, que se intentan «romper» visualmente, mediante la representación del cielo y la sugerencia del infinito, recurso pictórico que ya había utilizado Mantegna en la Habitación de los esposos del siglo XV, o Correggio en sus frescos de Parma. Estas decoraciones ilusionistas proliferaron en toda la segunda mitad del siglo y se prolongaron más allá, en el Rococó, en grandes palacios de toda Europa, reforzando el engaño no ya sólo con elementos pictóricos sino reforzándolo mediante el uso de estucos y dorados.

Pintura barroca en Italia

La pintura italiana de la época trata de romper con las formas del manierismo, ya mal vistas. Los encargados fueron dos bandos bien diferenciados; por un lado el pintor Caravaggio, y por el otro lado los hermanos Carracci (Ludovico, Agostino y Annibale).

El naturalismo, del que Caravaggio es el mejor representante, trata temas de la vida cotidiana, con imágenes tétricas usando efectos de luz. Los claroscuros procuran dar intensidad y viveza. Se rehúyen de los ideales de belleza, mostrando la realidad tal como es, sin artificios. Una buena parte de los pintores de la época cultivaron el Caravaggismo

Por otra parte, los Carracci forman el llamado clasicismo. Los temas a plasmar son inspirados de la cultura greco-latina, con seres mitológicos. Los autores del siglo XVI, como Rafael y Miguel Ángel, son fuertes influencias. El color es suave, al igual que la luz, y se pintan frescos en techos.

Ambas tendencias dejaron secuela y sirvieron para renovar los escenarios pictóricos. La presencia de Rubens, otro genio del barroco, en Génova, se ve reflejada en las obras del lugar.

Pintura barroca en Francia

En Francia, el manierismo se ve influenciado por el barroco. La pintura es clasicista y se usa para decorar palacios, con un estilo sobrio y equilibrado. Se pintan retratos y se tratan temas mitológicos.

Su autor más destacado es Nicolas Poussin, quien estuvo claramente influenciado por las corrientes italianas, tras su visita a Roma. Buscó la inspiración en las culturas grecorromanas. Otros artistas fueron Georges de La Tour y Philippe de Champaigne.

No obstante, el barroco en Francia fue poco más que una influencia, transformándose después en el rococó.

Pintura barroca en Flandes y Holanda

En Flandes domina el panorama la figura de Rubens, desarrollando una pintura aristocrática y religiosa, mientras que en Holanda, la pintura será burguesa, dominando los temas de paisaje, retratos y vida cotidiana, con la figura de Rembrandt como su mejor exponente.

Pintura barroca en España

En España, el barroco supone el momento culmen de la actividad pictórica, destacando sobre un magnifico plantel de pintores, la genialidad y maestría de Diego Velázquez, Ribera, Bartolomé Esteban Murillo o Francisco de Zurbarán. El periodo fue conocido como Siglo de Oro, como muestra de la gran cantidad de importantes figuras que trabajaran, a pesar de la crisis económica que sufría el país.

Los pintores españoles usan como inspiración a artistas italianos como Caravaggio y su tenebrismo. La pintura flamenca barroca influye notablemente en España, debido al mandato que se ejerce en la zona, y a la llegada de Rubens al país como pintor de la corte.

Las principales escuelas del arte barroco serán las de Madrid, Sevilla y Valencia.

La temática en España, católica y monárquica, es claramente religiosa. La mayoría de obras fueron encargadas directamente por la iglesia. Por otra parte, muchas pinturas tratan de reyes, nobles y sus guerras, como en el famoso cuadro Las Lanzas, que pintó Velázquez en 1635 para el Palacio del Buen Retiro de Madrid. La mitología y los temas clásicos también serán una constante. Pero es la religión cristiana la que más se repite, sirva como ejemplo El martirio de San Felipe, gran obra de José de Ribera. El realismo de las obras se usará para transmitir al fiel la idea religiosa, por lo que el barroco fue un arma para la iglesia.

Los colores son vivos, con efectos de múltiples focos de luz que crean otras tantas zonas de sombras. El tenebrismo italiano se dejará sentir en todos los pintores españoles. Las figuras no suelen posar, son captadas con un movimiento exagerado para darle fuerza a la escena. Los cuadros al óleo son grandes y habitualmente complejos, con varias figuras y de gestos expresivos.

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NOMBRE: ESTEBAN GONZALEZ ZARATE

GRADO: 2° “C”

LA ESCULTURA BARROCA

La escultura Barroca cobra un papel decorativo en la composición general de la obra.
E n ellas destacamos su complicada estructura y dramática vivacidad.

Las esculturas barrocas se distinguen por su gran movimiento y el dinamismo. Las imágenes muestran pasiones violentas, lentas y exaltadas. La valorización de aquellos motivos heroicos de la cultura renacentista injertos en la Contrarreforma y la pintura del Greco y de Caravaggio introdujeron nuevos contenidos religiosos y morales y contribuyeron a una radical renovación de la expresión figurativa.

  • La tendencia a la representación de la figura humana con una objetividad perfecta en todos sus aspectos, tanto en los más sublimes como los más vulgares.
  • Realización de esquemas compositivos libres del geometrismo, lo que choca con la proporción equilibrada del renacimiento. La escultura barroca se proyecta dinámicamente hacia afuera. Esta inestabilidad se manifiesta en la inquietud de los personajes, en las escenas y en la amplitud y ampulosidad del ropaje.
  • Representación del desnudo en su estado puro, como una acción congelada, conseguido con el influjo de la composición asimétrica, donde predominan las diagonales, los cuerpos sesgados y oblicuos, la técnica del escorzo y los contornos difusos e intermitentes, que dirigen la obra hacia el espectador con un gran expresionismo.
  • Se da gran importancia al desnudo, creando grupos compositivos que permiten la contraposición de las mujeres al incidir la luz sobre las superficies de las esculturas.
  • Se utiliza preferentemente la madera, el mármol, etc…

La escultura barroca en España

– Predominan los temas religiosos.
-Exaltación del realismo. Para ello utilizan postizos como pelo real, corona real, ojos y lágrimas de cristal, etc. Se llegaron a crear imágenes de vestir, en las que se realizaban con minuciosidad cabeza, manos y pies para vestirlas con ropa real.
-El principal cliente de sus obras fue la Iglesia, y en segundo lugar la Corte.
– Se produce la decadencia de la escultura funeraria.
– Las obras decoran retablos, sillerías de coro y los famosos pasos de Semana Santa.
– Utilizan la madera policromada como material preferido.

Monumental. Los temas mitológicos y profanos están ausentes. También se realizan retablos, donde aparecen figuras exentas y en bajorrelieve.

La escultura barroca en Italia

En Italia, la cuna del arte barroco, destaca el escultor Bernini, quién eclipsó al resto de artistas y fue considerado el Miguel Ángel del siglo XVII. Bernini es el intérprete de la Contrarreforma católica, de la Iglesia triunfante y su glorificación. Posee fuertes influencias helenísticas. Su escultura se caracteriza por la teatralidad compositiva, que resuelve en escenas. Es un gran arquitecto, por lo que pone la escultura al servicio de la arquitectura. Busca efectos emotivos con el fin de conmover, para lo que emplea el escorzo y las posiciones violentas y desequilibradas. Tiene obras mitológicas como Apolo y Dafne, religiosas, baldaquino de San Pedro, Transverberación de santa Teresa, Santa María de la Victoria, fuentes, fuente de los Cuatro Ríos o de la Barcaza, y retratos, busto de Luis XIV, y del cardenal Borghese, etc.

ESCULTURA BARROCA EN ITALIA: GIAN LORENZO BERNINI

– Bernini fue al Barroco lo que Miguel Ángel al Renacimiento, tanto su arquitectura como su escultura son las obras más acabadas del arte romano del “seiscientos”; las esculturas más representativas de este estilo y las que inauguraron el ciclo fueron las de Bernini, arquitecto y escultor casi exclusivo del Vaticano, del papa Urbano VIII, siendo su influencia enorme a lo largo de los siglos XVII y XVIII.

Ejemplos:

+ El rapto de Proserpina: grupo escultórico que representa a Proserpina siendo raptada por Plutón; la composición, figura serpentinata, es reminiscencia del Manierismo y permite una observación simultánea del rapto y de la petición de Proserpina a su madre de regresar durante seis meses a la Tierra; destacables son los detalles, Proserpina empuja la cabeza del dios estirando su piel y los dedos de éste aprietan cruelmente la carne de la diosa.

En Roma trabajan los más grandes arquitectos del Barroco. En el período de transición se distingue a Carlo Maderna: Santa María de la Victoria, y Giacomo Della Porta: la fachada del Gesú.

La escultura barroca en Francia

El barroco francés se reconoce por su carácter cortesano, mitológico y decorativo. Predominan los bustos, las estatuas ecuestres, las alegóricas y la escultura funeraria. Tiene cierta tendencia al clasicismo.

Surge un arte majestuoso al servicio del Estado. Los grandes palacios suelen tener un gran cuerpo alargado y dos alas hacia el jardín. Las cubiertas son de estilo francés, que forman grandes cuerpos prismáticos, muy altos, en los que se abren buhardillas.

Jacques Lemercier es el arquitecto francés más representativo: iglesia de la Sorbona, y el palacio de Richelieu. François Mansart, inventor de las guardillas: mansión Laffitte. Pero destacaron dos proyectos reales monumentales, el Louvre, Claude Perrault, y Versalles, Louis le Vau y Charles le Brun.

En el siglo XVIII se abandona la severidad y estalla la exuberancia decorativa del rococó. Germain Boffrand: decoración del hotel Soubisse.

. ESCULTURA BARROCA EN FRANCIA

– En Francia las artes se pusieron al servicio del sistema político mediante la organización de las Academias, que controlaban el desarrollo literario y artístico. El proteccionismo estatal sustituyó al mecenazgo renacentista, lo que fomentó un arte clasicista en el que domina la monumentalidad y la grandeza.

Algunas Obras:

Apolo atendido por las ninfas, de François Girardon: los grandiosos jardines de Versalles sirvieron de escenario perfecto para el programa alegórico de la fábula de Apolo; la secuencia que se iniciaba con el nacimiento del dios en el estanque de Latona culminaba en la Gruta de Tetis con el auxilio de las ninfas; Girardon esculpió una de las obras cumbres de la escultura francesa, sofisticada composición en forma abierta y bajo un concepto paisajístico próximo al helenismo, lo que resulta evidente en el ademán del Apolo sedente, que denuncia su relación evidente con la escultura clásica.

La escultura barroca en otros países

En Inglaterra se continúa con una cierta aversión a la representación icónica típica del anglicanismo. La escultura se reduce a los motivos funerarios en los templos, que se convierten en panteones de personajes ilustres. Se trata de representaciones ostentosas que inmortalizan la fama del «gran hombre». Destacan escultores como Nicolás Stone, o los franceses Hubert le Sueur o Luis-François Roubillac.

En Alemania la escultura barroca encuentra un clima muy apropiado para su desarrollo. Predomina el estilo de Bernini, que llega a sus más altas cotas. Destacan Andrea Schliuter: retrato ecuestre del Gran Elector, y Baltasar Permoser.

En los Países Bajos los temas escultóricos alcanzaron cierta relevancia, muy lejos de la pintura. Encontraron su hueco dentro del retrato, el busto y la decoración de tumbas. En Bélgica trabajaron Jeroen Duquesnoy y Hendrik Verbruggen y Frans Verbruggen; y en Holanda Hendrik de Keyser y Rombout Verhuls.